Eclipse
Plan B
Toy Story 3
martes, 29 de junio de 2010
Motion Picture Association of America
La Motion Picture Association of America o Asociación de Productores y Distribuidores Cinematográficos de Estados Unidos es la asociación de seis de los más importantes estudios de Hollywood.
Es una asociación industrial sin ánimo de lucro con sede en los Estados Unidos que se constituyó para velar por los intereses de los estudios cinematográficos. Sus miembros son Buena Vista (The Walt Disney Company), Sony Pictures, Paramount Pictures, 20th Century, Universal Studios y Warner Bros. La MPAA es el sistema de clasificación de películas utilizado en EE.UU. para proteger el contenido temático para cada tipo de audiencia. El sistema de la MPAA se aplica únicamente a las películas que se presentan para su valoración, o sea es un sistema voluntario, no impuesto por ley, a pesar de haber sido criticado por el carácter secreto de sus decisiones, así como las inconsistencias percibidas.
Sigue vigente en la actualidad y estas casas productoras son las principales a nivel mundial, las más buscadas por los cinéfilos y los cineastas en cada película.
Belén Iparraguirre García
Es una asociación industrial sin ánimo de lucro con sede en los Estados Unidos que se constituyó para velar por los intereses de los estudios cinematográficos. Sus miembros son Buena Vista (The Walt Disney Company), Sony Pictures, Paramount Pictures, 20th Century, Universal Studios y Warner Bros. La MPAA es el sistema de clasificación de películas utilizado en EE.UU. para proteger el contenido temático para cada tipo de audiencia. El sistema de la MPAA se aplica únicamente a las películas que se presentan para su valoración, o sea es un sistema voluntario, no impuesto por ley, a pesar de haber sido criticado por el carácter secreto de sus decisiones, así como las inconsistencias percibidas.
Sigue vigente en la actualidad y estas casas productoras son las principales a nivel mundial, las más buscadas por los cinéfilos y los cineastas en cada película.
Belén Iparraguirre García
Proceso de montaje de una película
Fácil es ir a ver una película al cine o verla desde la comodidad de casa pero sabemos exactamente como se hace una película todo ese proceso que siguen miles de personas que dedican parte de su vida a un proyecto que será visto por dos o tres horas. Este proceso es mas que la clásica escena del director sentado diciendo ¡¡ACCIÓN!!.
La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).
Equipo técnico
Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias.
Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.
Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc.
Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa.
Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película.
Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo.
Storyboards: El storyboard es un guión gráfico que se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa.
La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).
Equipo técnico
Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias.
Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.
Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc.
Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa.
Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película.
Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo.
Storyboards: El storyboard es un guión gráfico que se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa.
EL OSCAR
Los reconocimientos cinematográficos están aumentando con el pasar de los años. Uno de los premios más reconocidos mundialmente son los Premios de la Academia, más conocidos como los Óscar que tratan de resaltar el trabajo de actores, guionistas, directores, productores y técnicos de este género.
Es entregado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas cada mes de febrero o marzo en Los Ángeles, California. El premio otorgado es una estatuilla dorada de pie sobre un rollo de película que fue creada en 1928 por Cedric Gibbons un escenógrafo que dibujó el boceto de la estatuilla que se entregaría a los premiados. La primera ceremonia de entrega tuvo lugar el 16 de Mayo de 1929 en Hollywood Roosevelt Hotel a la que se presentaron solo películas estrenadas en Los Ángeles desde el 1 de agosto al 31 de julio del año anterior de la ceremonia, esto cambió en 1933, el plazo se alargó hasta el 31 de diciembre de cada año anterior. Ésta condición sigue vigente hasta la actualidad. La elección de los ganadores de se realiza en dos etapas. En la primera etapa son propuestos diez posibles ganadores por los miembros de la Academia que pertenecen a la misma especialidad de los nominados al premio. Por el contrario el ganador de cada categoría es elegido por la totalidad de los miembros, sin importar su especialidad. Todas las votaciones se hacen en secreto, de tal forma que ninguno de los miembros de la Academia conoce los resultados. Para ello interviene una prestigiosa firma de auditoría que se encarga de realizar el recuento de los votos. Hasta el momento de la ceremonia, no existen más especulaciones.
En la última entrega del Óscar, una película peruana tuvo el honor de participar de este reconocido galardón, una producción de la directora Claudia Llosa en la categoría de mejor película extranjera que no llegó a conseguir la estatuilla pero el simple hecho de que la película haya sido nominada hace que el nombre de nuestro país quede en un lugar privilegiado y el de la directora tenga un mayor reconocimiento a nivel mundial.
Belén Iparraguirre García
El nuevo Hollywood, Historia del Cine Hindú
La India posee una de las industrias cinematográficas más antiguas del mundo. Aunque no tan prestigiosa, tiene lo suyo, tanto así que el cine hindú es llamado popularmente Bollywood.
La primera producción propiamente india (proyectada en kinetoscopio) estuvo a cargo de Harishchandra Bhatva en el año 1899. La década de los 30 marcó el inicio del nuevo cine serio pero entretenido para el gran público, fue a comienzos de esa década cuando el Studio System emergió. Su mayor éxito inicial fue la película Devdas (1935) de P.C Barua, un film de implícita protesta social. Los años 40, tras la Segunda Guerra Mundial y la independencia india, asisten a una verdadera expansión con directores como Chetan Anand, Uday Shanker o Sohrab Modi.
El primer festival de Cine Internacional se celebró en Bombay en el año 1952 y tuvo un gran impacto sobre el Cine Indio. La llegada de un Cine Alternativo en los años 70 cambió por completo la estética y temática que predominaban hasta ese entonces. Es indudable el giro que dio la industria con las nuevas propuestas de cineastas como Satyajit Ray, Ghatak y Mrinal Sen, que preferían otra temática a la habitual trama familiar musical que estaba tan de moda en esa época. Ray es el cineasta que goza de mayor reputación y es reconocido como el Patriarca del Cine Hindú. Gjatak ha sido un director más tradicionalista y su labor como director de la Escuela de Televisión y Cine de Pune fue muy importante.
Hoy en día son habituales las producciones comerciales, que son las que al fin y al cabo dominan el mercado en India y en otros lugares donde abundan los seguidores del cine indio como el Caribe, Fiji, África del este, Sudáfrica, Reino Unido, Estados Unidos y Oriente Medio. La rutina de canciones y bailes ya está sistematizada y regularizada por completo y es reconocida a nivel mundial.
Belén Iparraguirre García
La primera producción propiamente india (proyectada en kinetoscopio) estuvo a cargo de Harishchandra Bhatva en el año 1899. La década de los 30 marcó el inicio del nuevo cine serio pero entretenido para el gran público, fue a comienzos de esa década cuando el Studio System emergió. Su mayor éxito inicial fue la película Devdas (1935) de P.C Barua, un film de implícita protesta social. Los años 40, tras la Segunda Guerra Mundial y la independencia india, asisten a una verdadera expansión con directores como Chetan Anand, Uday Shanker o Sohrab Modi.
El primer festival de Cine Internacional se celebró en Bombay en el año 1952 y tuvo un gran impacto sobre el Cine Indio. La llegada de un Cine Alternativo en los años 70 cambió por completo la estética y temática que predominaban hasta ese entonces. Es indudable el giro que dio la industria con las nuevas propuestas de cineastas como Satyajit Ray, Ghatak y Mrinal Sen, que preferían otra temática a la habitual trama familiar musical que estaba tan de moda en esa época. Ray es el cineasta que goza de mayor reputación y es reconocido como el Patriarca del Cine Hindú. Gjatak ha sido un director más tradicionalista y su labor como director de la Escuela de Televisión y Cine de Pune fue muy importante.
Hoy en día son habituales las producciones comerciales, que son las que al fin y al cabo dominan el mercado en India y en otros lugares donde abundan los seguidores del cine indio como el Caribe, Fiji, África del este, Sudáfrica, Reino Unido, Estados Unidos y Oriente Medio. La rutina de canciones y bailes ya está sistematizada y regularizada por completo y es reconocida a nivel mundial.
Belén Iparraguirre García
Los maestros del período mudo
Fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras "El nacimiento de una nación" (1914) e "Intolerancia" (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.
En estas primeras décadas de cine aparecen más directores que se dan cuenta de que este nuevo medio de comunicación de masas también puede servir como medio de expresión de lo más íntimo del ser humano: sus anhelos, angustias o fantasías. Y además expresándolo con una estética innovadora, de "vanguardia". En Alemania, los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas.
Este cine aparecido después de la derrota de los alemanes en la Guerra Europea y el establecimiento de la humillante Paz de Versalles, refleja sus angustias y contradicciones. El país vive bajo la inestabilidad de la República de Weimar y de una gran crisis económica, situación de la cual se aprovecharán los nazis. El trabajo de la iluminación -llena de contrastes entre el claro-obscuro, la luz y la sombra- serán uno de los aspectos plásticos más innovadores.
El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética o la poesía visual. Una pequeña ciudad del Oeste americano, Hollywood, se había convertido en poco tiempo el centro industrial cinematográfico más próspero de los EE.UU. Grandes empresas se reunieron levantando sus estudios donde, además de filmarse las películas, se "construyen" las estrellas para interpretarlas. Un hábil sistema de publicidad crea una atmósfera de leyenda alrededor de los ídolos del público; los actores y las actrices se convierten en mitos. Es el caso de Lilian Gish, Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney, John Gilbert, Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Mae West o Rodolfo Valentino. Se trata del Star System, sistema de producción basado en la popularidad de los actores por medio de la cual consiguieron más beneficios.
Durante la Guerra Europea y aprovechando el descenso de producción en Europa por el mismo motivo, Hollywood se dedicó a dominar los mercados mundiales. La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros... Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico: los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas...; invento de Mack Sennett que descubrió a Chaplin, Lloyd, Turpin, Langdon... Quizás una reacción a la época difícil marcada por la Guerra Europea. Pero serán dos cómicos concretes quienes harán universal el arte de hacer reír en la pantalla: Charlot y Keaton. Payasos geniales y, a la vez, críticos con su sociedad deshumanizada, sus gags han hecho reír a niños y a adultos de diversas generaciones, en todo el mundo. De Charlot es "La quimera del oro" (1925) y de Buster Keaton "El maquinista de la General" (1926).
De los grandes estudios salen grandes producciones, algunas de ellas muy espectaculares como las que hacía el director Cecil B. de Mille, "Los diez mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927).
María Elorreaga Bautista
Cine Mudo
Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de maquetas.
A principios del siglo XX, el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo.
En Catalunya, Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía catalana y española (1897). Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su film "El hotel eléctrico" (1905), donde los trucajes son de los mejores de la época.
Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque musical al espectáculo. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las populares.
Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. Tal como Edison en los EEUU, Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Los films producidos por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca, a quien se debe "La Passió" (1902) o "El asesinato del duque de Guisa" (1904).
En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos, Max Linder, que inspiró a Chaplin. A Pathé le aparece un rival igualmente francés, Léon Gaumont, que contrata al director Louis Feuillade, que se especializa en el género de terror. Siguiendo las huellas galas, en Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica.
Pero serán los EE.UU. quien saque más provecho del invento. En 1903, con la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste.
Género continuado después por T.H.Ince- y utiliza el montaje simultáneo. Los espectadores comienzan a aprender un nuevo lenguaje, el cinematográfico: aprenden a relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de continuidad. Y la base de este nuevo lenguaje es el montaje.
María Elorreaga Bautista
A principios del siglo XX, el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo.
En Catalunya, Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía catalana y española (1897). Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su film "El hotel eléctrico" (1905), donde los trucajes son de los mejores de la época.
Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque musical al espectáculo. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las populares.
Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. Tal como Edison en los EEUU, Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Los films producidos por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca, a quien se debe "La Passió" (1902) o "El asesinato del duque de Guisa" (1904).
En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos, Max Linder, que inspiró a Chaplin. A Pathé le aparece un rival igualmente francés, Léon Gaumont, que contrata al director Louis Feuillade, que se especializa en el género de terror. Siguiendo las huellas galas, en Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica.
Pero serán los EE.UU. quien saque más provecho del invento. En 1903, con la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste.
Género continuado después por T.H.Ince- y utiliza el montaje simultáneo. Los espectadores comienzan a aprender un nuevo lenguaje, el cinematográfico: aprenden a relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de continuidad. Y la base de este nuevo lenguaje es el montaje.
María Elorreaga Bautista
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