martes, 29 de junio de 2010

Próximos Estrenos

Eclipse



Plan B



Toy Story 3

Motion Picture Association of America

La Motion Picture Association of America o Asociación de Productores y Distribuidores Cinematográficos de Estados Unidos es la asociación de seis de los más importantes estudios de Hollywood.



Es una asociación industrial sin ánimo de lucro con sede en los Estados Unidos que se constituyó para velar por los intereses de los estudios cinematográficos. Sus miembros son Buena Vista (The Walt Disney Company), Sony Pictures, Paramount Pictures, 20th Century, Universal Studios y Warner Bros. La MPAA es el sistema de clasificación de películas utilizado en EE.UU. para proteger el contenido temático para cada tipo de audiencia. El sistema de la MPAA se aplica únicamente a las películas que se presentan para su valoración, o sea es un sistema voluntario, no impuesto por ley, a pesar de haber sido criticado por el carácter secreto de sus decisiones, así como las inconsistencias percibidas.
Sigue vigente en la actualidad y estas casas productoras son las principales a nivel mundial, las más buscadas por los cinéfilos y los cineastas en cada película.


Belén Iparraguirre García

Proceso de montaje de una película

Fácil es ir a ver una película al cine o verla desde la comodidad de casa pero sabemos exactamente como se hace una película todo ese proceso que siguen miles de personas que dedican parte de su vida a un proyecto que será visto por dos o tres horas. Este proceso es mas que la clásica escena del director sentado diciendo ¡¡ACCIÓN!!.



La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).
Equipo técnico
Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.
Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias.
Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.
Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc.
Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa.
Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película.
Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo.
Storyboards: El storyboard es un guión gráfico que se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un comic se tratase la película completa.

EL OSCAR



Los reconocimientos cinematográficos están aumentando con el pasar de los años. Uno de los premios más reconocidos mundialmente son los Premios de la Academia, más conocidos como los Óscar que tratan de resaltar el trabajo de actores, guionistas, directores, productores y técnicos de este género.
Es entregado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas cada mes de febrero o marzo en Los Ángeles, California. El premio otorgado es una estatuilla dorada de pie sobre un rollo de película que fue creada en 1928 por Cedric Gibbons un escenógrafo que dibujó el boceto de la estatuilla que se entregaría a los premiados. La primera ceremonia de entrega tuvo lugar el 16 de Mayo de 1929 en Hollywood Roosevelt Hotel a la que se presentaron solo películas estrenadas en Los Ángeles desde el 1 de agosto al 31 de julio del año anterior de la ceremonia, esto cambió en 1933, el plazo se alargó hasta el 31 de diciembre de cada año anterior. Ésta condición sigue vigente hasta la actualidad. La elección de los ganadores de se realiza en dos etapas. En la primera etapa son propuestos diez posibles ganadores por los miembros de la Academia que pertenecen a la misma especialidad de los nominados al premio. Por el contrario el ganador de cada categoría es elegido por la totalidad de los miembros, sin importar su especialidad. Todas las votaciones se hacen en secreto, de tal forma que ninguno de los miembros de la Academia conoce los resultados. Para ello interviene una prestigiosa firma de auditoría que se encarga de realizar el recuento de los votos. Hasta el momento de la ceremonia, no existen más especulaciones.



En la última entrega del Óscar, una película peruana tuvo el honor de participar de este reconocido galardón, una producción de la directora Claudia Llosa en la categoría de mejor película extranjera que no llegó a conseguir la estatuilla pero el simple hecho de que la película haya sido nominada hace que el nombre de nuestro país quede en un lugar privilegiado y el de la directora tenga un mayor reconocimiento a nivel mundial.


Belén Iparraguirre García

El nuevo Hollywood, Historia del Cine Hindú

La India posee una de las industrias cinematográficas más antiguas del mundo. Aunque no tan prestigiosa, tiene lo suyo, tanto así que el cine hindú es llamado popularmente Bollywood.



La primera producción propiamente india (proyectada en kinetoscopio) estuvo a cargo de Harishchandra Bhatva en el año 1899. La década de los 30 marcó el inicio del nuevo cine serio pero entretenido para el gran público, fue a comienzos de esa década cuando el Studio System emergió. Su mayor éxito inicial fue la película Devdas (1935) de P.C Barua, un film de implícita protesta social. Los años 40, tras la Segunda Guerra Mundial y la independencia india, asisten a una verdadera expansión con directores como Chetan Anand, Uday Shanker o Sohrab Modi.
El primer festival de Cine Internacional se celebró en Bombay en el año 1952 y tuvo un gran impacto sobre el Cine Indio. La llegada de un Cine Alternativo en los años 70 cambió por completo la estética y temática que predominaban hasta ese entonces. Es indudable el giro que dio la industria con las nuevas propuestas de cineastas como Satyajit Ray, Ghatak y Mrinal Sen, que preferían otra temática a la habitual trama familiar musical que estaba tan de moda en esa época. Ray es el cineasta que goza de mayor reputación y es reconocido como el Patriarca del Cine Hindú. Gjatak ha sido un director más tradicionalista y su labor como director de la Escuela de Televisión y Cine de Pune fue muy importante.



Hoy en día son habituales las producciones comerciales, que son las que al fin y al cabo dominan el mercado en India y en otros lugares donde abundan los seguidores del cine indio como el Caribe, Fiji, África del este, Sudáfrica, Reino Unido, Estados Unidos y Oriente Medio. La rutina de canciones y bailes ya está sistematizada y regularizada por completo y es reconocida a nivel mundial.

Belén Iparraguirre García

Los maestros del período mudo



Fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras "El nacimiento de una nación" (1914) e "Intolerancia" (1915), dividía el film en secuencias, mostraba acciones en paralelo, cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero, sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.
En estas primeras décadas de cine aparecen más directores que se dan cuenta de que este nuevo medio de comunicación de masas también puede servir como medio de expresión de lo más íntimo del ser humano: sus anhelos, angustias o fantasías. Y además expresándolo con una estética innovadora, de "vanguardia". En Alemania, los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas.
Este cine aparecido después de la derrota de los alemanes en la Guerra Europea y el establecimiento de la humillante Paz de Versalles, refleja sus angustias y contradicciones. El país vive bajo la inestabilidad de la República de Weimar y de una gran crisis económica, situación de la cual se aprovecharán los nazis. El trabajo de la iluminación -llena de contrastes entre el claro-obscuro, la luz y la sombra- serán uno de los aspectos plásticos más innovadores.
El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética o la poesía visual. Una pequeña ciudad del Oeste americano, Hollywood, se había convertido en poco tiempo el centro industrial cinematográfico más próspero de los EE.UU. Grandes empresas se reunieron levantando sus estudios donde, además de filmarse las películas, se "construyen" las estrellas para interpretarlas. Un hábil sistema de publicidad crea una atmósfera de leyenda alrededor de los ídolos del público; los actores y las actrices se convierten en mitos. Es el caso de Lilian Gish, Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney, John Gilbert, Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Mae West o Rodolfo Valentino. Se trata del Star System, sistema de producción basado en la popularidad de los actores por medio de la cual consiguieron más beneficios.
Durante la Guerra Europea y aprovechando el descenso de producción en Europa por el mismo motivo, Hollywood se dedicó a dominar los mercados mundiales. La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros... Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico: los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas...; invento de Mack Sennett que descubrió a Chaplin, Lloyd, Turpin, Langdon... Quizás una reacción a la época difícil marcada por la Guerra Europea. Pero serán dos cómicos concretes quienes harán universal el arte de hacer reír en la pantalla: Charlot y Keaton. Payasos geniales y, a la vez, críticos con su sociedad deshumanizada, sus gags han hecho reír a niños y a adultos de diversas generaciones, en todo el mundo. De Charlot es "La quimera del oro" (1925) y de Buster Keaton "El maquinista de la General" (1926).




De los grandes estudios salen grandes producciones, algunas de ellas muy espectaculares como las que hacía el director Cecil B. de Mille, "Los diez mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927).
María Elorreaga Bautista

Cine Mudo

Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. Méliès hizo realidad los sueños de las personas, al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. Por fin, la fantasía podía volar a través de la luz. Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra, las dobles exposiciones o el uso de maquetas.
A principios del siglo XX, el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. El cine se extiende por el mundo.
En Catalunya, Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía catalana y española (1897). Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su film "El hotel eléctrico" (1905), donde los trucajes son de los mejores de la época.



Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque musical al espectáculo. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las populares.
Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. Tal como Edison en los EEUU, Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Los films producidos por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca, a quien se debe "La Passió" (1902) o "El asesinato del duque de Guisa" (1904).
En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos, Max Linder, que inspiró a Chaplin. A Pathé le aparece un rival igualmente francés, Léon Gaumont, que contrata al director Louis Feuillade, que se especializa en el género de terror. Siguiendo las huellas galas, en Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica.
Pero serán los EE.UU. quien saque más provecho del invento. En 1903, con la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste.
Género continuado después por T.H.Ince- y utiliza el montaje simultáneo. Los espectadores comienzan a aprender un nuevo lenguaje, el cinematográfico: aprenden a relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de continuidad. Y la base de este nuevo lenguaje es el montaje.

María Elorreaga Bautista

Cine de terror y Scream Awards

Cine de Terror

Género caracterizado por provocar sensación de miedo, disgusto, pavor repugnancia y horror en el espectador. Sus argumentos generalmente se basan en algún evento de fuerza sobrenatural o personaje de naturaleza maligna.

Una clasificación según Wikipedia es:
De entre todas las variantes surgidas en la historia del género, cabría entresacar una escueta clasificación con arreglo a la temática general:
• Las preguntas sobre el más allá y lo desconocido que han generado toda la serie de zombis, momias, fantasmas, vampiros, extraterrestres, etc.
• El miedo a la tiranía cruel, escenificado, por ejemplo, a través de la relación del Conde Drácula con sus súbditos y víctimas, o bien en la potencia amenazadora de brujos malignos o monstruos, como es el caso de Fu Manchú, King Kong y tantos otros.
• Lo monstruoso en sí mismo, relacionado con lo anterior: la aparición de la anormalidad que alarma y atemoriza; tiene su mejor ejemplo en el viejo Frankenstein, y más modernamente, los Alien, Predator, etc.
• La pérdida de identidad y el miedo a la locura, visible en filmes como La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956), donde unos seres ocupan los cuerpos suplantando la personalidad de sus víctimas; El exorcista (William Friedkin, 1973), la posesión de la protagonista por el demonio, o la transformación del Dr. Jekyll en el monstruo Mr. Hyde que anida en su interior, en las muchas versiones cinematográficas que ha tenido esta historia; también, Psicosis, de Hitchcock.



Lo cierto es que más allá de cuales las temáticas de la película el cine de terror con su innovadora forma seguirá haciéndonos temblar en nuestras butacas o en los muebles de nuestras casas.


Scream Awards

Son los premios dedicados exclusivamente al horror, la ciencia ficción, y los géneros de ficción de películas. Al principio solo premiaban las categorias de Scream Queen y Heroic Performance pero fueron ampliando para para incluir a actores y actrices de los tres géneros aprobados.

Actualmente esta premiación contiene las siguiente categorias:

Categories


The Ultimate Scream
Billed as the best genre film of the preceding year.
La Mejor Película de horror
La Mejor Película De ficción
La Mejor Película de Ciencia ficción
El mejor programa de televisión
Mejor TV Show
Mejor Secuela
Mejor Remake
El Mejor Superhéroe
La Mejor Adaptación Cómica-a-pantalla
Renamed "Best Comic Book Movie" beginning in 2008.
La Mutilación más memorable
Renamed "Best Villain" beginning in 2008.
Breakout Performance
Escena del año
Llamada de distintos nombres todos los años "Holy Sh!t" or "Jump-From-Your-Seat"




Melissa Salcedo Portilla

Cine y Publicidad

Recuerda ver a Tom Hanks en la película El Naufrago con su amigo Wilson o recuerda ver el icono Fedex esto es prueba que la publicidad se inmiscuye cada vez mas en el cine, siendo no novedoso pero si más utilizado.



Según el reconocido publicista argentino, Rodrigo Figueroa Reyes, hoy el 15 por ciento de la publicidad está hecha a través de películas y a fin de año ese porcentaje ascenderá a 20. Alegre analizó por qué las marcas necesitan meterse en el contenido, y dijo que es una combinación de varios factores: "primero es que cada vez es más difícil llegar al público empezando por los problemas del zapping. También se trata de que junto con la proliferación de recursos publicitarios, la gente se fue entrenando: ya los reconocen y son hábiles para evitarlos. Además, si los reciben, están preparados para procesarlos y defenderse de lo que pueda ser un intento persuasivo. En cambio, en el contexto de una historia dramática, la atención de la gente está cautiva porque se está siguiendo una historia. La guardia está baja y el público recibe bien estos estímulos porque son un instrumento menos invasivo cuando está bien utilizado. La tanda comercial es disruptiva; en cambio, la aparición de un producto en una historia, si está bien incorporado, le da realismo al drama porque en la interacción habitual uno no ve que alguien agarre una latita que diga ‘soda genérica’ sino que ve una marca. Eso hace al registro visual cotidiano en la interacción con la gente. En la medida en que se quiere dar realismo a la historia, la presencia de las marcas ayuda. También ayuda a establecer el carácter de los personajes porque uno asocia muchas veces el hecho de consumir determinado producto o merca a un tipo de personalidad", explicó la especialista.
Pero usar estos recursos tiene dos riesgos uno de ellos que el de incorporar la marca a una película y que esta sea un fracaso y el otro es que al incorporar la marca a la película esta se adhiera a la historia o el director tenga mucha libertad sobre ella. Pero por otro lado están las ventajas de esta modalidad una es la de llegar al publico con una atención total y focalizada además de que esto puede ser muy persuasivo.


Melissa Salcedo Portilla

Mejor actor y actriz del 2010

Mejor Actor
Este año tenemos a Jeff Bridges que recibió el Óscar al mejor actor por su papel en “Corazón Rebelde”. Él ha estado nominado cuatro veces al premio de la Academia por sus interpretaciones en: “Candidata al poder”, “Starman”, “Un botín de 500.000 dólares”(Thunderbolt and Lightfoot) y “La última película” (The Last Picture Show).
Bridges ha debutado como actor desde adolescente en una película y una serie de TV en la que actuaba su Padre. Desde entonces, ha aparecido en aproximadamente de sesenta películas.
Jeff no es solo un gran actor sino un buen fotógrafo y pintor cuyo trabajo está siendo cada vez más valorado.





Mejor Actriz


Sandra Bullock es una de las protagonistas femeninas y estrella de Hollywood más solicitadas. Este año fue quién recibió el Óscar a la mejor actriz en la película:”The blind side”
Bullock también se ha aventurado en el terreno televisivo, ejerciendo como productora ejecutiva en The George Lopez Show (2004), que actualmente ya cuenta con su tercera temporada en la ABC.

Bullock ha sido objeto de numerosos premios y nominaciones por su trabajo. Una nominación a los Globos de Oro; otra nominación a los American Comedy; dos People’s Choice, y dos Blockbuster Entertainment por su papel en Mientras dormías, entre otros.



Catherine Cruzado Cabanillas

Géneros Cinematográficos

Es el tema general de la película del cual servirá su clasificación.
Estos tuvieron sus orígenes en la cultura clásica con los mayores géneros griego comedia y tragedia; uno de estilo ligero, tema aparentemente superficial y final feliz, y el otro afectado, profundo y de triste desenlace. Estos géneros se fueron diversificando en el teatro, y los primeros largometrajes los intentaron imitar. Sin embargo las posibilidades del cine lo desmarcaron completamente de los géneros tradicionales creando nuevos géneros caracterizados por la escasa complejidad de su regulación.
En la teoría cinematográfica, el género se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena.
Entre los principales están:


Cine independiente: Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial.
Cine de animación: El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una, de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.


Cine documental: El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.






Cine experimental: El cine experimental es aquél que utiliza un medio de expresión más artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.



Cine de autor: Se refiere a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película.

Otra clasificaciones que encontramos según Wikipedia son
Por su estilo o tono
• Drama — en el cine, películas que se centran principalmente en el desarrollo de un conflicto entre los protagonistas, o del protagonista con su entorno o consigo mismo.
• Comedia — películas realizadas con la intención de provocar humor, entretenimiento o/y risa en el espectador.
• Negro — presentan a sus personajes principales con un estilo nihilista o existencialista.
• Acción — cuyo argumento implica una interacción moral entre el «bien» y el «mal» llevada a su fin por la violencia o la fuerza física.
• Aventura — contienen situaciones de peligro y riesgo.
• Terror — realizadas con la intención de provocar tensión, miedo y/o el sobresalto en la audiencia.
• Cine de misterio — presentan la progresión de lo desconocido a lo conocido por el descubrimiento de una serie de enigmas.
• Cine romántico — hacen hincapié en los elementos amorosos y románticos.
• Cine musical — contienen interrupciones en su desarrollo, para dar un breve receso por medio de un fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía.
• Melodrama — tiene una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva, atendiendo al gusto de cada persona.
• Cine catástrofe —el tema principal una catástrofe (grandes incendios, terremotos, naufragios o una hipotética colisión de un asteroide contra la Tierra).
• Suspense /suspenso— realizadas con la intención de provocar tensión en el espectador. También suele utilizarse la palabra thriller para designar películas de este tipo, aunque hay sutiles diferencias.
• Fantasía — contienen hechos, mundos, criaturas o cosas fantasiosas.

Diego Carranza Sangama

UN GRAN ÉXITO…


La “TETA ASUSTADA” una gran película peruana que narra la historia de una joven que sufre una enfermedad llamada "la teta asustada", que transmite el miedo y el sufrimiento de madres a hijos a través de la leche materna, ya que su progenitora fue violada durante la época del terrorismo en el Perú entre 1980 y 1992. Resumen de la Historia Fausta (Magaly Solier) sufre de "la teta asustada", una extraña enfermedad que las madres que son mujeres maltratadas pasan a sus hijos lactantes durante la época del terrorismo en Perú. Los infectados nacen sin alma, ya que esta se esconde en la tierra por el susto. Pero la protagonista esconde un gran secreto, que la inesperada muerte de su madre sacará a la luz.



Aquella película fue Galardonada con el OSO DE ORO a mejor película en el festival de cine de Berlín, pero aquel éxito no quedo hay también fue la primera película peruana en la que nos ha llevado a los PREMIOS OSCAR, Este Gran éxito ha llevado hacer película nominada a la mejor película en idioma extranjero bajo la dirección de CLAUDIA LLOSA y la protagonización de MAGALY SOLIER.

Diego Carranza Sangama

Cine introducción

A lo largo de la historia, el ser humano ha sentido la inquietud de dejar testimonio de su existencia; de atesorar en imágenes personas y momentos. Para lograrlo, en épocas pasadas se usaron la pintura y la escultura; pero la incorporación de la ciencia trajo nuevos inventos que abrieron increíbles posibilidades de representación del hombre y su entorno.
Uno de estos inventos es el cine que históricamente se ha marcado el 28 de diciembre de 1895 como la fecha de su nacimiento. Ese día en el Gran Café del Boulevard de los Capuchinos, en París, Louis y Auguste Lumière realizaron la primera proyección de cine: fueron 10 o 12 pequeños documentales que dieron inicio a lo que ahora conocemos como arte, industria y espectáculo.
En primer lugar ¿Qué es el cine? Su significado nos remite inmediatamente a un gran espectáculo lleno de luces, maquillaje, actores y popularidad; pero el cine tiene realmente un origen científico. Técnicamente el cine es una proyección sucesiva de fotografías impresas sobre una cinta.
Por otro lado, como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, denominado séptimo arte, sin embargo en un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas.
Finalmente Paramount Pictures crea la técnica cinematográfica conocida como doblaje y al cabo de los años permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "Lo que el viento se llevó". El color tardó más en ser adoptado por el cine.
En síntesis, El cine se caracteriza por el trabajo en equipo en una producción ci teniendo en cuenta el material necesario para elaborar una película. Hemos visto como el cine ha tenido muchos cambios en su creación y elaboración. Se debe tener en cuenta el esfuerzo y sacrificio de quienes lo crearon para explotarlo al máximo y dar a conocer al público este séptimo arte.





Catherine Cruzado Cabanillas

martes, 15 de junio de 2010

Cine Peruano


¿Las películas peruanas son el rostro del Perú? La respuesta a esta pregunta resulta de singular importancia en países como el nuestro formado por todas las sangres. ¿Qué sangres ha hecho visibles el cine peruano en desmedro de qué otras? ¿Qué parte de nuestra problemática es la que ha hecho visible nuestra cinematografía?











En los últimos años se a podido observar como las películas peruanas, gracias al esfuerzo y trabajo mutuo de muchos productores y directores del país, destacan en el país y en el extranjero mencionando que una de ellas fue nominada a obtener un Óscar (La teta asustada), es por eso que es preciso informar como fue este proceso de creación del Cine Peruano.
En primer lugar El Cine Peruano es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento mostrando un video o película realizado en Perú.
En segundo lugar La primera producción cinematográfica realizada en nuestro País se realizó en febrero del año 1897, en la Confitería Jardín Estrasburgo llamado en ese entonces, hoy el club de la Unión; usando el cinematógrafo de los hermanos Lumière.
Además cabe destacar que las primeras películas peruanas se basaban en corridas de toros, vistas de paisajes del Perú y extranjeros, reproducción de hechos históricos y sucesos de la sociedad en la ciudad de Lima. También existían algunas filmaciones cómicas. Algunas producciones importantes fueron:
1. Camino de la Venganza, La Perricholi, 2.Resaca, Kukuli, Jarawi, 3.En la selva no hay estrellas, La muralla verde, 4.Espejismo, Sonata soledad, entre otras…
Asimismo en la actualidad El Cine Peruano ya ha producido películas muy exitosas como: 1 .Mancora, Pantaleón y las visitadoras, No se lo digas a nadie, 2. Un día sin sexo, Peloteros, Mañana te cuento, La teta asustada, etc.
Finalmente recordemos que todos los años debemos apoyar al Festival titulado: “Festival El Cine de Lima” el cual ha permitido la mejora en la situación del cine de Perú. Este día se ha convertido en un medio para dar a conocer al público los nuevos films del cine peruano y latinoamericano.
En síntesis, El cine peruano ha salido a la luz despues de tantos intentos por desarrollarse y expandirse en el país y extranjero.Las películas peruanas tienen un mensaje realista y directo, es decir sin rodeos; mostrando realmente como es la sociedad en los tiempos de problemas mucho mas trágjcos y en nuestros días.




Catherine Cruzado Cabanillas

martes, 8 de junio de 2010

Historia deL cinE!!!

EL CINE fue inaugurado como invento con la primera exhibición pública, en París, el 28 de diciembre de 1895 fecha en la que los Hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.




Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematógrafo mudo de los hermanos Lumière, hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los géneros cinematográficos





Diego Carranza Sangama